PSICOANÁLISIS Y TEATRO: UN ACERCAMIENTO...

***Antecedentes inmediatos del Psicoanálisis:


Históricamente se ha situado el nacimiento del psicoanálisis en las postrimerías del siglo XIX. Se nos refiere que el primer caso de implementación de la medicina psicológica se aplicó a una mujer que llamaron ``Anna O``; quien fue tratada por el Dr. Joseph Breuer, entre los años 1880 a 1882. Más tarde el resultado de esta investigación fue publicada por Breuer y Freud.
Anna O, de 21 años de edad, quien fue hipnotizada y llevada a un estado de sueño especial, se refirió más tarde a este proceso de repetir palabras inducidas y de que esto le provocara ``ensoñaciones`` de las que luego hablaba. Este ``hablar`` fue descrito por ella como ``cura verbal``(talking cure) o chimney sweeping: ``deshollinamiento``.
Breuer, creó el tratamiento llamado ``catártico``(gr.catharsis, purgación)usado durante la hipnosis, estudio que seguiría adelantando con Sigmud Freud. Para 1882, Charcot, publicó un tratado sobre los estados nerviosos ``determinados por la hipnosis de los histéricos``, es decir aquellos que padecían de letargia, catalepsia, sonambulismo.
En cuanto a escuelas, existían la Escuela de Salpetrière y la Escuela de Nancy. La primera estudiaba los casos de histerismo y la segunda sostenía que ``la hipnosis reposa sobre una credulidad natural, y la experiencia demuestra que la mayoría de las personas es fácilmente hipnotizada``.
Pierre Jenet, (1886-1889), habló de `la acción patógena de los recuerdos olvidados de acontecimientos ligados a emociones violentas``.
Según Lagache, el siglo del psicoanálisis dio al público los siguientes hallazgos: 1-Interés por la neurosis (histeria) ,2-Utilización de la hipnosis para investigar, 3-Descubrimiento de la acción patógeno de los recuerdos inconscientes de acontecimientos traumáticos.
Estos son entre otros aspectos los más destacables antecedentes a la creación del Psicoanálisis.

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Freud, realizó una serie de estudios y plasmó sus observaciones en varios ensayos que propiciaron el nacimiento del Psicoanálisis. Freud, aplicó en sus comienzos el método aprendido de Breuer; esto era que una vez hipnotizado el paciente se le hacían preguntas; así demostraban que los ``síntomas histéricos tienen su origen en perturbaciones emocionales de épocas pasadas``.
El Psicoanálisis, fue formulando sus primeras teorías, dando origen una ``concepción de conjunto de la vida mental``. Una de ellas es que el basamento de esta ``vida mental`` está en la ``dualidad de los impulsos sexuales``. (referido a la conservación de la especie).Otro aspecto es el de ``los impulsos del yo``(conservación del individuo).

Técnicamente esta etapa del Psicoanálisis es muy importante por la toma de conciencia de lo que son las llamadas resistencias y transferencias.
A medida que avanza el Psicoanálisis, este se va sofisticando y se van decantando procedimientos. Se considera por ejemplo que no sólo es el impulso lo fundamental para explicar determinados trastornos si no que el ``yo se defiende contra los impulsos y las emociones``; y además de que ``los impulsos en cuestión no son sólo los sexuales, sino también los agresivos``.

****Qué es pulsión?

Según el latín, significa pujar, impeler. En Psicoanálisis se refiere a un ``impulso psíquico característico de los sujetos de la especie humana``
La profesora Ligia Mujica, nos habla de que ``pulsión`` es ``impulso interno``.
De acuerdo a su traducción o interpretación, se habla de esta como ``instinto``.
En cuanto aloque caracteriza a una pulsión, se ha establecido que responden al circuito ``estímulo-respuesta``y posee objetos precisos e inamovibles, las pulsiones carecen de objetos fijos, predeterminados``.
Freud, es quien observa que en la gente existen lo que llamó ``motivaciones perentorias`` y que estas escapan de lo instintivo y aún más pueden ir en contra``.

*** Instinto de vida e Instinto de muerte.

Los estudiosos han dicho que ``el instinto de muerte es más poderoso que el de vida``. El profesor Freddy Sánchez, nos habló en el Iudet de que ``la depresión es un signo de muerte``.
Se ha especificado que ``tanto la violencia como la muerte, se rigen por leyes naturales y leyes físicas``.
El instinto de muerte es tan atrayente como el sexual. Por ello es tan fuerte y se arraiga de manera tan honda en los seres humanos.

Prácticamente desde que nacemos, tenemos presente que vamos a morir, y también tenemos temor ante esta posibilidad. De hecho, nacemos en un proceso en el que no hemos tenido decisión, pero podemos morir por decisión propia.

La vida, es demasiado preciada individualmente y por lo tanto tiende a despreciar o a sub-valorar la vida de los demás. Es decir, que soy ``yo con yo`` y punto. Esto explica la actitud violenta de tribus o conglomerados humanos poco evolucionados ante un hecho sencillo como el de alimentarse o protegerse de la intemperie.

Freud, vivió cercanamente la Primera Guerra Mundial (1914-1918), y esta experiencia le sirvió para dilucidar que en la mente existen dos fuerzas antagónicas: esto es que junto al principio del placer existe el
principio de la muerte. Este instinto se ``manifiesta a través de la agresión, de la crueldad y del masoquismo``, que es la crueldad dirigida hacia uno mismo.
Observa además Freud, la tendencia o compulsión a repetir actos que no pueden traer placer, sino desagrado, tendencia que tiene lugar no sólo en personas adultas, sino también en los niños.
Ahora, ``Nacer`` puede ser doloroso, y este es el punto de vista de Otto Rank, como origen de la neurosis y no el sexual como lo sostenía Freud, de quien se separará sin duda. Rank, sostiene que el sufrimiento del niño al nacer es tan grande que le produce un trauma que tiene que superar después durante su vida. Si no es capaz de esta superación, se desencadena la neurosis.
Posteriormente, esta teoría serviría para que el Doctor francés Le Boyer, desarrollara su propuesta de que el niño al nacer, si tenía sobre él luces fuertes del quirófano, el ruido y el tratamiento que recibe este niño de golpearlo para hacerlo llorar, tomado de los pies y boca abajo, le producían gran sufrimiento.
Como podemos observar esto es controversial y definitivamente separararìa a Rank de Freud, lo cual le traería a este último gran decepción.

***-Algunos aspectos del Psicoanálisis aplicados a tres personajes teatrales:

Uno de los personajes que personalmente màs nos atraen del teatro universal es
``Electra``, de la trilogía de Esquilo La Orestìada.
Electra, es hija de Agamenòn y Clitemnestra, y desarrollarà un excesivo odio a su madre, luego de que èsta asesinò a su esposo y padre suyo, Agamenòn. El odio de Electra por su madre Clitemnestra, la lleva a planear con su hermano gemelo Orestes, la muerte de su madre, la cual es consumada por el hermano.
Matar a la madre, dio origen a lo que se llamó el complejo de ``Electra``, pues según los expertos, las niñas tienen una etapa de sus vidas en las que están muy ligadas a su madre pero esta etapa pasa y la rechazan a favor del padre. Muchas veces este alejamiento de las hijas con las madres ha sido leído como esa propensión que tienen las mujeres a repelerse entre sí y a ser entre ellas muy competitivas. Electra, se deja llevar por su ``ello``y se deja arrastrar por su inmenso dolor.
Otro personaje que nos llama la atención es Ofelia, la abandonada novia de Hamlet, de Shakespeare, quien luego de ser rechazada y torturada verbalmente por éste, se desquicia y se suicida. Para nosotros se trata de una muchacha muy apegada al padre y al hermano, quien traslada este amor filial y paternal a su prometido el Príncipe de Dinamarca, quien parecía amarla, pero por razones de todos y todas conocidas tiene que fingirse loco. Al hacerlo, Ofelia, es alejada a través del maltrato verbal e inclusive con acoso. Ofelia, claro está no puede entender qué ocurre, ella únicamente ama inmensamente a Hamlet. Inconcientemente ambos personajes tienen que recurrir a su ``ello`` y dejan aflorar sus instintos primigenios, para evitar el dolor que significa para Hamlet, el que hayan asesinado a su padre y a Ofelia, que su novio la rechace y mate a su padre. Ellos dos se abandonan a la evasión y rehuyen de lo que pueda causarles más penas.
Aunque el ``Ello`` no convierte a Ofelia en sociòpata, si la hace acabar con su vida, en cuanto a Hamlet, éste se obsesiona con la venganza e incide en que ocurren muchas muertes. El al final, también sucumbirá. La muerte es el gran ``signo``de esta obra de Shakaspeare, en la que el autor deja traslucir muchas angustias del ser humano como es el ```dormir o morir``, del famoso monólogo ``ser o no ser, he ahí el dilema``. Es una obra además que evidencia la ambición humana por el poder, el incesto, la traición y como dirían los griegos, la ``purga`` o ``catarsis`` que trae el que todo al final tenga que morir para que comience.







Comentario final:



El comportamiento humano que no era posible explicar desde lo concebido como ``normal``, fue tildado por los antiguos hasta bien transcurrido el siglo dieciocho como de origen maléfico. Esto fue así por mucho tiempo hasta que los científicos y estudiosos comenzaron a ponerle atención a estas conductas. Es así cuando en el siglo XIX, se establecen las bases de lo que será el estudio de la mente humana.
Importantes estudiosos como Breuer, Charcot, Freud, Jenet, Rank, Le Boyer, pero sobre todo Freud, aportarán la mejora a turbaciones conductuales a través de lo que se denominó el ``Psicoanálisis`` y que se basó al principio en la Hipnosis y luego en ``conversaciones curativas`` como las llamó Anna O.
Consideró Freud, que la principal causa de los padeceres psicológicos tenían su origen en problemas sexuales y Rank, que tenían su origen en el proceso de nacer. Otro punto fundamental en el estudio del Psicoanálisis, fueron las pulsiones o ``impulsos internos`` (Ligia Mujica, 2008). Los estudios del sueño, también dieron origen a numerosas teorías y procedimientos interpretativos en torno a la psiquis.


Referencias Bibliográficas

Shuster, M. y Beisl. (1982). Psicología del Arte .Barcelona: Editorial Blume.


Grandes protagonistas de la humanidad.(1985). Freud.
Editora cinco, S.A.


Lagache, D. (Año___), El Psicoanálisis.

Buenos Aires: Editorial Paidos.

Mujica, L.de Tovar, Psicología aplicada al teatro.
Clases, mención Docencia. Instituto Universitario de Teatro. Caracas.
Marzo 2008.

Adorno, T. (1970). Fragmentos para una teoría estética.
Francfort.

Macgowan K.y Melnitz, W. (1989). Las Edades de oro del Teatro.
México: Colección Popular.

Schaubüne am Lehminer Platz. ( 1980). La orestia de Esquilo.
Caracas: Ediciòn del Conac.

Shakespeare, W. (1951). Obras Completas.
Madrid: Aguilar, S.A. De Ediciones.

La Visita de los generales de Gilberto Pinto

Al entrar a la Sala de Conciertos de Unearte, el pasado sábado 27 de junio de 2009, en Caracas, lo primero que vimos fue al maestro Gilberto Pinto, le saludamos y fuimos a sentarnos. La iluminación era tenue. El espacio escénico tenía una sencilla exposición hogareña. Confesamos que esto no nos atrae sobre manera, pero pensamos que así debía necesitarlo el maestro para desplegar su propuesta escénica. Y en efecto, allí tendría lugar un despliegue de elementos sencillos pero contundentes en cuanto a lo verbal, lo actoral y sobre todo a lo que se refiere a la contundencia temática. Y es que el maestro Pinto, tiene una manera de decir las cosas, un tono tan diríamos que ´´sabroso´´, envolvente, persuasivo, inteligente, que le da la maestría de escribir por mucho tiempo y de hacerlo ´´bien´´aunque eso suene a manido asunto aristotélico, pero que bien cabría mencionar por cuanto, si bien se trata de una obra con una concepción simétrica, no por ello deja de ser llamativa. Sinceramente esto es preferible a escuchar simplemente verbalizaciones como ocurre a veces con la mayoría de otros montajes. Pero, volviendo a ´´La visita de los generales´´, nos llama la atención, el subtexto más que lo que directamente plantea la pieza.
Sin ir directamente a arengas o reclamos sociales y políticos, el maestro subraya y hace detener la mirada en el armamentismo y en el uso desenfrenado del poder sobre los seres humanos que ostentan quienes pueden someter y acometer. La obligación de dar parte de la existencia en nombre de la seguridad de un país, se centra en un hombre mayor que está gravemente enfermo y al que no se le quiere dar tregua ni paz en su ´´postrer aliento´´. Esto es lo que vemos a simple vista, pero hay otra cosa que rescatar y es el señalamiento que hace Pinto a que una vez que participas de ese poder, haciendo lo que se considera correcto, entonces un buen día esta participación puede cobrarte el privilegio de entregarte por no decir ramplonamente ´´victimizarte´´. Es decir, que debes pagar, siempre al poder, hay que pagar.
Gilberto Pinto se arma de un cuadro actoral más que llamativo al que dirige sin aspavientos ni cabriolas escénicas. Hay una puesta delicada pero certera, no reiterativa, pese a qué el texto plantea las sucesivas visitas de los generales, del médico, pero que se difuminan por así decirlo con los distintos matices que le da en dirección, pues aunque por ejemplo Francis Rueda, que hace de esposa del físico Arthur Zenning, tiene que repetidamente recibir y acompañar a estos visitantes, cada vez que lo ´´ejecuta´´ lo hace de forma diferente, esto es que la actriz le confiere distintos tonos o registros emotivos que van haciendo que sufras su dolor por perder al ser que ama profundamente al mismo tiempo que ella. Carlos Márquez, nos pareció sinceramente delicioso, pues su decir escénico así como su presencia, responden asertivamente a lo que pide la dirección y además hace un partner con Francis Rueda que conmueve por su elegante y bello vínculo amoroso.
Aunque a nuestra manera de ver el cuadro actoral masculino-German Mendieta, Vtio Lonardo y Alexis Farías, fue grato, destacamos al joven Daniel Jimenez, por su desenvoltura actoral y su bella voz. Todos contribuyeron a dar un momento de distensión a la cartelera teatral actual, aunque no por esto, lo planteado produce sosiego, por el contrario, hay en esta propuesta mucho de lo que debieran escuchar quienes llevan el poder consigo, sean de la tendencia política que sean. Porque el poder también puede venir de tu vecino de asiento que le da por hacer un ´´origami´´ con el programa de mano de la obra durante casi toda la primera parte, sin dejar espacio al silencio necesario para dejarte ver una propuesta como ésta, y tú piensas si no quieres un poco de amenaza de los generales, para hacerlo callar…pero no, mejor no, nada de amenazas, y exhortemos a que en el teatro, no se charla, ni se come, ni se habla por teléfono, ni se hacen origamis para novias que se conforman con regalos de papel de novios de papel…

El flamenco tiene quien lo baile en Venezuela: Siudy Garrido...

Gracias a la amabilidad del Director del Teatro de la Ópera de Maracay, Néstor Seijas, quien nos invitó a este evento, nos fue posible presenciar uno de los espectáculos más bellos vistos en nuestra ciudad. Se trata de ´´Entre Mundos´´ de Siudy Garrido, que estuvo en nuestra sala el domingo 7 de junio por gestión loable y hermosa de la Fundación San Antonio de Padua.
Sabemos que el flamenco tiene convocatoria, pero teníamos nuestras reservas en cuanto al dominio propio de este particular baile español. La referencia fuerte de bailarinas como Carmen Amaya, Sara Varas-a quien vimos en Mariana Pineda-, Aída Gómez, entre otras, sin dejar de pensar en los bailaores como Antonio Gades, Antonio Canales y Joaquín Cortez, entre otros, no tienen competencia ni parangón. Esta gente lo lleva en los genes y punto. Por años hemos sido seguidoras de este arte, seguidoras de las películas de Saura acerca del alma del baile flamenco y afortunadamente, fuimos sacadas de ese hipnotismo para entrar en el hechizo de Siudy Garrido y su puesta en escena ´´Entre Mundos´´.
Y es que desde el comienzo Garrido sabe adueñarse de la escena, de su concepción físico-espacial, de la dramaturgia total: esto es temas, colores, iluminación, vestuario, composición de personajes, gradación textual-aunque no se hable-y dominio de la imbricación de escenas, partes o números, etc. Con maestría concibe con Croce-guión y dirección artística- un tour de force, sobrio y al mismo tiempo contemporáneo, yéndose más allá del flamenco puro para indagar en la música urbana que no sólo coloca como música incidental sino que la vivifica en escena y hace que sus bailaoras dancen. Así que justamente este es el atractivo pero no el único, porque la gente fue a ver flamenco y vio flamenco. Es decir, que la Garrido, conjuga expresión de baile español con el toque urbano en una expresión amplia pero que no se desborda. Ella sabe exactamente hasta dónde templar la capacidad sonora de sus músicos y vocalistas-en el caso de Primate, agrupación de percusión teatral y D´ la Funky, agrupación de danzas urbanas,(por cierto, Luis Armando Castillo, el conocido bailarín tiene que ver con este Luis Armando Castillo de Primate?) amén de usar composiciones realizadas especialmente para su obra. Nos suena el nombre del músico Maracayero Ernesto Briceño, joven talentoso que ha estado realizando estudios fuera del país, quien en binomio con Diego Franco componen la música original del montaje. Y Garrido conoce mejor la capacidad de recibir del público y la trabaja, la extiende, la retoma, le da un respiro y la vuelve a tensar. Bien, hasta los bailarines urbanos se acoplan a las bailaoras en una fusión flamenco-urbana-venezolana que da gusto sensorial. Es delirante como espectadora ver tanto fino bordado en la hechura de un trabajo escénico exigente como éste y concebido por una joven que ha bailado en diversos escenarios extranjeros así como ha compartido tablas con gente de la talla de Antonio Canales. Estudió además ballet, la danza contemporánea y el jazz, en instituciones como ´´Broadway dance center´´ y el ´´Steps on Broadway´´ en Nueva York, como artista ha alternado con importantes figuras del arte y de la danza. En España con el bailarín Adrián Galia graba los primeros cinco tomos de la enciclopedia audiovisual del flamenco ´´Paso a paso los palos del flamenco´´. Ha alternado con figuras como Martirio, Alejando Sanz, Nina Pastori y con agrupaciones como Maná. Hija de Siudy Quintero, No es de extrañar que deje brotar todo ese bagaje que la habita, pero también ella como creadora, junto con Croce y su equipo, logran un sueño ante la vista y demás sentidos encantador. Cabe mencionar que el espectáculo esta concebido en dos actos, los cuales tienen una dramaturgia sencilla pero no por ello superficial. A la bailaora y Croce le interesan temas llamativos como las diferencias entre etnias, la conservación de costumbres ancestrales, la rupturas de estas convenciones, el amor, la cercanía humana, la privación de la libertad, el no ver lo puro de un alma especial, las diferencias de grupos, el milagro de la lluvia, la invasión de un espacio, y al final el encuentro entre diferentes, son algunos de los aspectos que sugiere ´´Entre Mundos´´.
Siudy Garrido, logra, ya refiriéndonos a sus bailarinas, un grupo bastante armónico, elegante y femenino, y aunque por momentos extrañábamos la fuerza en que se impone el zapateo, que fue entregado por dosis de la autora del montaje hacia el frente de la escena en esa cruz que apuntaba al público, este por fin llegó, y de manos de su protagonista. Entonces la Garrido, dio hacia el final del segundo acto, una buena dosis de su arte al taconear, en la que no dejó dudas, que tiene vena y dominio. Claro, un montaje flamenco no es sólo hacer sonar los talones, es todo un conjunto de creación expresiva, pero deja ver de por sí, eso que en el canto sería el oírle el fa sobre agudo a una soprano o un do llamado de pecho en el tenor. Y sí, no hay en las bailarinas de Garrido esa potencia flamenca propia de las bailoras españolas, pero sí hay la potencia de la mezcla latinoamericana mezclada con esa herencia que también nos marca; por lo que el resultado es un baile estilizado, y lleno de otros poderosos acentos, muy a la venezolana, así que tendríamos que decir, que Siudy Garrido logra una lectura del flamenco propia y que no tiene que envidiar nada de nada. No puede dejarse de mencionar como logra Garrido colocar en todo lo alto la mixtura de trabajar la coreografía inspirada en el flamenco con la danza urbana. Y ella, como solista, con qué manejo técnico y expresivo maneja su cuerpo, sus brazos , su cabeza, su fraseo todo, cómo maneja el vestido de larga cola así como cuando se enfunda en pantalones o pasa del flamenco a lo contemporáneo. Esta artista deja sal en el aire. Mención especial merece la producción de esta presentación, la cual no escatimó necesidades técnicas ni artísticas para traslucir lo que su creadora quiso plasmar en vivo. No en vano la Garrido también produce Entre mundos con Pablo Croce.
En el TOM, se sentía la magia y la complacencia del púbico al apoyar una causa social como la que hizo posible que presenciáramos este evento, -las amigas de la Fundación San Antonio de Padua,-y recalcamos que quedamos agradecidas por ver cómo la iniciativa de grupos independientes como el de Siudy Garrido logran una excelentísima factura artística que deja en alto el arte venezolano en todas sus expresiones.

MI PADRE FUÉ ALUMNO DE REMEDIOS VARO EN VENEZUELA...

Conocí de Remedios Varo, por boca de mi padre Amado Carmona, que era dibujante destacado del servicio de planoteca de lo que era antiguamente Malariología en Maracay.
Mi papá, me contaba de una mujer nariguda, pelirroja y que se diseñaba sus propios vestidos y que además le había dado clases acá en la ciudad. Era el año 47, Carmona, tenía veinte años para entonces. A él le sorprendió, como a muchos hombres el que ella-en el Hotel Jardín-bebiese sola, y una copa de vino. La había mandado la casa Bayer. Según contaba Amado que la Remedios, tenía que proporcionar al laboratorio que la envió un cuadro alegórico al insomnio. Mi padre me lo describió con ojos y puertas. Ella resolvió el cuadro en una hora. En el año 2000, en mi ida a Ciudad de México, adquirí un libro catálogo de la obra de la artista y para mi inmensa y boca abierta impresión, allí estaba el cuadro que pintó acá en Maracay y que tituló ´´Insonmnio´´. Le mencioné el asunto a Lali Armengol, y le presté un catálogo que le habían hecho llegar a Carmona desde México, luego de haber muerto la Varo A Lali, le llamó la atención su pintura y fue la primera en Aragua en usar una de sus imágenes para su obra ´´Ellas hablan solas´´, y desde hace -2006-un año, ha sido mi momento de inspirar mi montaje de Media Lágrima Negra en algunos de sus cuadros. Mi papá, murió sin saber que Remedios Varo, sería tan conocida y cotizada como Frida Kahlo y sin saber que yo dedicaría un montaje al mundo de su imaginario.

LA COMUNICACIÓN Y EL TEATRO

I-Influencia mediada por diversos factores ante el hecho teatral.
La influencia del teatro evidentemente está mediada por diversos factores que se interponen entre lo mostrado en escena y el espectador.
Ahora bien, cuando se afirma que ``los miembros del público no se presentan ante el aparato de radio o de televisión, o ante el periódico, en un estado de desnudez psicológica`` (Joseph Klapper), esto por supuesto es extensivo a las artes escénicas. La gente va con toda su carga cultural y mental o con lo que llamamos vulgarmente con sus ``prejuicios`` a ver una representación. Y su reacción determinará el grado del impacto.
Se cuenta que la gente que vio a Casa de Muñecas de Ibsen, no aplaudió la noche del estreno porque no entendían o no esperaban ese final y en Alemania, este tuvo que cambiarse para que la obra pudiese ser presentada. El teatro, imágenes, sonidos, multiplicidad de signos e infinitos significados que acicatean el alma y la mente.
Brecht, fue uno de los que sacaron mayor provecho de la posibilidad de acicatear la mente de los espectadores y les creó un sistema para que supieran estar despiertos-as ante lo que veían, para que supieran que lo que en la escena ocurría era mentira y que debían distanciarse para no dejarse arrastrar por el mero sentimentalismo. Claro que su teatro no niega las emociones, pero sí, que quien mira se sumerja en una visión incierta de la vida.
El teatro como ente comunicador, cumple y trasciende ese gran rol. Cuando Joseph T. Klapper afirma que ``lo que no resulta tan obvio es que estas actitudes, estas predisposiciones, están activas antes, durante la exposición a la comunicaciones de masa``; no hace más que reafirmar que quien mira es un depósito activo de dinamita esperando a ser encendida.
Un realizador que ha sacado gran ventaja-si se puede decir de esta forma-de lo que pone en escena o cine es Ingmar Bergman. Su visión de las emociones y la psiquis humana aún sigue dando para hablar y escribir. Esto se evidencia grandemente en su película ``Persona``, la cual ha sido catalogada como una obra maestra en la que la escisión, el juego, y la usurpación de la personalidad tienen el máximo de significado, amén de presentar abiertamente lo que es capaz de hacer alguien que ha depositado sus querencias en alguien que aparentemente no hace nada con esto. ¿Para qué mostrar una situación así a la gente? ¿Qué interés puede tener? Pues al ver la película, las líneas anteriores no han sido más que unos pálidos intentos para intentar explicarla en unas cuantas palabras.
La ``persona`` tiende a entender o a explicar las cosas según su percepción. Y esto no es con todo por supuesto, únicamente con aquello que le ha impactado. Aquí cabe tratar la afirmación de Klapper de que ``Las personas recuerdan el material que refuerza su propio punto de vista, mucho mejor que aquél que combate ese modo de pensar (…) tanto la retención como la exposición son elevadamente selectivas. ``. El teatro muestra y la mente guarda, selecciona, rechaza, acepta.
II-La influencia social del teatro.
Desde muy antiguo, se ha considerado al teatro como portador de elementos mágicos y de poder; entre ellos el de la sanaciòn.
Hace más de 4000 años, la manifestación de una enfermedad era tratada con una especie de médico brujo o ``chamàn`` como diríamos en criollo, que para curar, se vestía con pieles, se pintaba de una manera especial, danzaba y emitía sonidos. Según nos contaba en sus clases el maestro Ugo Ulive, estos son los primeros atisbos de la representación escénica. Y que persisten aún hoy en las sociedades tribales del África y de la América. Es decir, el curar, tenía-y tiene hoy-una forma de medicina y era la de que el curandero ``actuaba`` pues no era el mismo ni vestía igual que siempre.
Los antiguos griegos, vieron también el poder curativo y sus efectos en enfermos que acudían a ver una obra de teatro. Bien es sabido que la tragedia producía un efecto llamado ``catarsis`` que era un estado de equilibrio emocional que se alcanzaba luego de haber sufrido o llorado durante la representación. Esta conducta la producía especialmente la ``tragedia`` y no así la comedia, pues la primera era egregia, solemne y moralizante mientras que la comedia era común, grotesca e inmoral.
Al correr de los tiempos, con los medicamentos, se fueron uniendo distintas visiones del efecto que producía el teatro en sus asistentes, por lo que inclusive se les negó a las mujeres su participación como actrices por poseer ellas una especie de venática condición tendiente a la debilidad carnal, la ensoñación excesiva y la flaqueza intelectual. Como actrices no podían curar pero que ironía, si se confiaba en ellas como sacerdotisas que aliviaban el alma desde los más pequeños a los grandes señores.
Cuando el teatro se fue haciendo más específico, y no necesitó de intermediarios sino que como tal se constituyó en poción, medicina, revelación y provocación, ya diversificó sus múltiples significantes y por ende su impacto fue más directo y mayor. De hecho, fue tan efectivo que los romanos se lo daban a la plebe como un decadente juego de animales y personas sacrificadas todo en medio del más desbordante oropel y sin escatimar gastos para su puesta en escena.
El teatro, no en su plano circense como se le adjudicó entonces, sino en su papel de voz decidora de nuevos pensamientos llegó a socavar más de una corona y a más de una sociedad. Es el caso de Aristòfanes, que en sus comedias llegó a decir verdades políticas tan fuertes que muchas veces fue preso. A Shakespeare, los ministros de Cronwel, lo intentaban limitar con el puritanismo y el protestantismo a lo cual el bardo respondió con lo mejor de las creaciones al producir obras cuya temática se desarrollaba en otros países pero que bien reflejaban a la sociedad inglesa con sus problemas socio-políticos: El mercader de Venecia, los problemas de sucesión como en Hamlet, Ricardos y Enriques, el problema del poder como en Macbeth , Rey Lear, y Tito Andrònico y los temores metafísicos como ocurre en La tempestad. Y qué decir de los amores contrariados y persuadidos a morir como Romeo y Julieta. Entre estos dos períodos: la antigüedad y el teatro isabelino, se fraguó la Edad Media, abocada a tratar lo religioso cristiano, pero que a la par también alumbró las farsas y temas juglarescos como escape a un verbo siempre amenazador y castigador que representaba a Dios y a la conciencia de los seres humanos.
Impacto del teatro en mente y cuerpo. El efecto social del teatro como medio comunicacional. El teatro impacta porque no sólo utiliza el verbo sino poderosas imágenes (sonoras, olfativas, plásticas, etc.) que también comunican; haciéndolo de manera polivalente. Esta comunicación puede causar efectos importantes. Recordemos que en el teatro griego, el uso de artilugios como la eccyclema o la mechane-especie de carro con ruedas y grúa-tenían la misión de hacer aparecer personajes o realizar trucos que ``conmovieran`` al theatest o espectador. Era un teatro fundamentalmente para ser visto a pesar de estar cargado de un verbo grandilocuente. Tanto griegos como romanos
sabían el efecto que estas representaciones tenían política y socialmente. La iglesia en la edad media usó los auto-sacramentales, los milagros, etc., para persuadir de no pecar a sus feligreses amén de ser la única que explicaba el origen del ser humano. Fue un tiempo oscuro, con un teatro misterioso y sugerente. El Renacimiento, se recreó en las formas expresivas antiguas y las modernizó utilizando una voz introspectiva y desesperada, la angustia de un ser viviente que muy en sus fueros internos se sentía abandonado por Dios, por lo que fue un período muy antropocéntrico. Un teatro que reflejó angustias, violencias, desafueros y enajenación.
El Barroco, fue un teatro aún más existencial, tanto que se recargó plásticamente, y desarrolló además la commedia dell` arte; pero trató temas aún más íntimos como la avaricia y manipulación que reflejó Moliere en su Tartufo. El período Romántico, igual de antropocéntrico forjó los primeros regidores de escena y una forma de poner la vida en las tablas que aún hoy es pertinente por cuanto sentó las bases de una dialéctica de la dirección y de la forma de representar históricamente y socialmente a la gente. Claro, era y es una ventana que expone el ser, pensar y sentir de las personas.
Tenemos que ver entonces, que según esta máxima el teatro no ha cambiado aunque apartir del siglo XIX, pareciera hacerse más existencialista. El advenimiento de este siglo significó el abrir las ventanas con Casa de Muñecas del noruego Henrik Ibsen, quien dejó por sentado definitivamente que esa sociedad que se ufanaba de perfecta, tenía puertas adentro grandes debilidades y padeceres. Y la mujer expuso entonces su drama y comenzó a dejar oír su grito que aún hoy permanece. Es cuando al transcurrir del tiempo, aparecen Piscator, y su discípulo Brecht, quien definitivamente utilizará el teatro como un medio no sólo de comunicación, sino como de presión, reflexión y exhortación a cambiar una visión social-política meramente aburguesada. He aquí cuando el público, definitivamente ya no podrá ser el mismo.
Cuando se afirma que ``el teatro es uno de los más eficaces vehículos de comunicación que han existido…``(Stambaugh y González). , no tememos recalcar que nada más no ha sido vehículo sino que ha propugnado mucho de los cambios estéticos y ha mostrado desde sus distintos escenarios la filosofía de cada época.
Hay directores-as, conscientes de este efecto detonante del teatro y juegan en sus propuestas escénicas a desmontar la estructura mental que trae la audiencia. Por ello muchos directores y directoras han enfrentado las más fuertes críticas y grandes rechazos; pero ciertamente no la indiferencia.
Ahora, la reacción puede enfrentar fuertes paradigmas ligados al común pensamiento y que se resisten como es natural a los cambios. Para finalizar citaremos a Klapper con su sentencia ``…la comunicación de masas refuerza las actitudes, los gustos y las predisposiciones existentes, así como las tendencias conductuales de los miembros de su público, incluyendo las tendencias hacia el cambio``. Sobran las palabras, sobre todo teniendo en cuenta que las individualidades en compañía se sienten acompañadas y apoyadas, por lo que se someten a la censura y permisividad que esta les ofrezca, pero que tarde o temprano podrá efectuar ese tan temido cambio, si no en masa, por lo menos en quienes viven ciertamente, porque como dice Tennessee Williams en ``Dulce pájaro de juventud``: ``cambia, cambia porque lo que no cambia muere``, palabras de la princesa Alexandra del Lago a Chance Wayne, el héroe venido a menos nada más y nada menos que por ``amor``.
En cuanto a la propaganda, desde los antiguos romanos que mandaban a rociar agua de rosas sobre los transeúntes para que asistieran a una representación o como en el caso de los griegos que el tribunal llamado areópago pagò el sueldo de sus jueces a sus theatest para que asistieran a una jornada o desde las prohibiciones de los puritanos que quemaron los teatros isabelinos hasta las censuras y ventas impactantes de las obras teatrales de hoy día, el teatro siempre impactará en mayor o menor grado y será víctima o favorecido por dicha ``propaganda``.

Bibliografía.

· Prieto, A. y Yolanda, M. (1992). El teatro como vehículo de comunicación.
México: Editorial Trillas S.A.
· Macgowan, K, y Melnitz, W. (1987). Las edades de oro del teatro.
México: Fondo de Cultura Económica. Colección popular.
· Klapper, J.T. (1982). Los efectos sociales de la comunicación de masas.
En Schrann, W., La ciencia de la comunicación humana. (pp.79-91).
Mèxico: Editorial Grijalbo.

Jean Cocteau ha dicho:

``Los críticos juzgan la obra y no saben que son juzgados por ella´´